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九十年代初，不
电演出是一种回归真实回归纯粹的挑战，mtv电视台提出想法之后，很快就有优秀的乐队完成了不电的
彩演出；但后来，几乎所有优秀乐队都会挑战不电，这已经成为一种习惯。地址失效发送任意邮件到 Ltxs Ba@gmail.com 获取最新地址
不电现场，相对而言，场地会小一些，因为这样才有利于声音的传播与表达，这也意味着表演者和观众距离比较近，观众们需要保持安静，乐队成员们往往坐着演出，通过安静的木吉他回归最简单的和弦。
其实，音乐的和声，在失真吉他里，往往都是配音墙，并没有细腻丰富的音符以及色彩
的和声变化，而节奏的轰鸣就会蛮不讲理地将这些细节以及变化全部掩盖。
但不电的时候，所有细节都能够通过木吉他颗粒地表现出来，
感的层次与复杂也就更加丰富，往往更加容易让观众进
境之中。
不电对于乐队成员的技术要求和现场控制能力提出非常严苛的要求，没有轰鸣的重型电音掩护，细节的东西全部展露无遗，无论是主唱，还是其他乐队成员，全部都需要面临严苛的审视。
当然，经过二十年的发展，不电演出“打
电音”的初衷已经所剩无几，现在更多是一种
常的选择。
许多乐队在专辑里都愿意收录“不电版本”，与电音版本形成对比，制造出不同的效果。
对于一国王来说，也是如此。
目前已经发行的“追逐光芒”、“时间”、“不擅长告别”，还有科切拉音乐节之上全新公开的“拥抱新生”、“陌生
”，这些曲目全部都是不电作品，他们不仅敢于表演，而且还在印第奥沙漠证明了自己。
然而，不可否认的是，真正让一国王登顶巅峰的作品们，“我的恶魔”、“分崩离析”、“缓缓杀死我”、“与生俱来”、“滚出我的脑袋”等等等等，全部都是电作品，特别是“我的恶魔”以及“分崩离析”两首歌更是如此。
在这两首作品里，罗南使用电乐器，并不是像九十年代一样希望通过汹涌澎湃的节奏来制造狂轰
炸的效果；而是利用不同乐器的特色来制造出层次与空间感，如同建筑一般，通过不同材质的拼接组合形成三维立体的恢弘空间，而歌喉则成为作品完整的最后一环，引
所有化学反应。
这也是“七”这张专辑引发专业乐评盛赞的原因。
现在，站在新专辑制作的岔路
，罗南的想法暂时是矛盾的，还没有完全确定，不过他还是希望做出不同尝试。
不电版本，并不仅仅是不电那么简单而已。
“这是从哪里冒出来的想法？你准备怎么做？具体说说。”面对罗南抛出来的想法，尽管马克西姆有着无数问号，但他还是顺着话语开询问到。
经过这大半年的相处，马克西姆已经慢慢习惯了这样的相处模式，他相信罗南的灵感，也相信罗南的能力，不管是什么况，总之先抛出来，展开
脑风
，再看看他们能够碰撞出什么化学反应。
罗南认真地想了想，“以大提琴作为主乐器，然后进副歌的时候，切钢琴，再慢慢地切小提琴。”
全部都是古典乐器？
马克西姆和克里夫都没有办法掩饰自己的惊讶——这不是从摇滚乐队变身成为
响乐团吗？
反而是罗南的思路逐渐清晰起来，“我们的不电版本，可以完全回归乐器本身，用大提琴来传达悲伤，用钢琴来传达孤寂，用小提琴来表达释放，用架子鼓来表达激昂，歌曲的每个部分是什么绪，我们就选择什么乐器，然后通过乐器来碰撞出火花，一层一层叠加出绪的层次。”
一切，回归本源。
每一项乐器都拥有自己的音色与特质，弦乐、管乐、打击乐等等也都拥有不同的色彩，而后在艺术家手中进行不同排列组合完成不同的演绎，最终焕发出截然不同的魅力，音乐也就具备不同的生命力。
现在，罗南就尝试回归乐器本身，通过乐器的色彩来构建出音乐的层次，准确来说，应该是感的层次，并且让歌喉也成为乐器的一种，在碰撞之中探索化学反应的可能，赋予歌词更加复杂也更加鲜活的能量。
不电，就等于回归纯粹。
大提琴切，循序渐进地铺垫绪；钢琴合流，琴键音与弦音的织编织出如同月光流淌般的清冷；加小提琴，一层一层探索悲伤与痛苦的错杂；然后在第二段副歌里加架子鼓，以轰鸣之声引脑海里的所有绪，将伤赤果果地展露出来，将绪毫无保留地全部宣泄。
如同站在空旷无垠的荒芜之地，引吭高歌，轻轻地触碰灵魂
处的伤。
“但是，怎么做？”克里夫觉得，他能够听懂罗南的每一句话，但是所有话语拼凑起来之后，他却全然不懂。
一点绪都没有。
罗南也意识到，言语的呈现太过单薄也太
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